Miguel Ángel Bounarroti fue un escultor, pintor y arquitecto italiano del siglo XV y XVI (nació el 6 de marzo de 1475 y murió el 18 de febrero de 1564) conocido principalmente por la escultura de “El David” y la obra pictórica que recubre la bóveda de la Capilla Sixtina. Nació en Caprese, municipio italiano de la provincia de Arezzo, denominado actualmente Caprese Michelangelo en su honor. Comenzó su formación como pintor a los 12 años en el taller de la familia Ghirlandaio y un año más tarde se adentraría en el mundo de la escultura a través de Bertoldo di Giovanni, el cuál le introduciría en el influyente círculo de los Médici. Desde entonces desarrolló una fructífera vida artística entre Florencia y Roma, de cuyo amplio legado destacan dos grandes obras: El David y la bóveda de la Capilla Sixtina (Ver punto 2). Sus últimos años los dedicó a la arquitectura hasta que falleciera en Roma a los 88 años de edad.
El fresco se divide en dos partes, a la izquierda se encuentra Adán representado como un atleta fuerte, con gran belleza, desnudo e inmóvil, totalmente pegado a la tierra como surgiendo de ella, parece no tener fuerzas y sólo pueda apenas estirar un poco el brazo, sin fuerza propia para tocar el del creador, que concentra en su dedo toda la fuerza de la creación para transmitirla a Adán y darle vida al ser que acaba de crear. Detrás de Adán parece haber un pequeño campo y una montaña azul. Dios se encuentra en el lado derecho de la obra, es un hombre anciano, con cabello gris, viste una túnica color lavanda, aparece acompañado por algunos ángeles y querubines cubiertos por un manto que simula una concha y frente a la inmovilidad de la figura de Adán destaca la movilidad de la figura de Dios, cuyo pelo y vestimenta se agitan.
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David
1501 – 1504
5,17
m – 5.572 kg
Mármol
blanco
El David es una escultura de mármol blanco de 5,17 metros de altura y 5.572 kilogramos de masa, realizada por Miguel Ángel Buonarroti entre 1501 y 1504 por encargo de la Opera del Duomo de la Catedral de Santa María del Fiore de Florencia. La escultura representa al Rey David bíblico en el momento previo a enfrentarse con Goliat, y fue acogida como un símbolo de la República de Florencia frente a la hegemonía de sus derrocados dirigentes, los Médici, y la amenaza de los estados adyacentes, especialmente los Estados Pontificios. El David es una de las obras maestras del Renacimiento según la mayoría de los historiadores,3 y una de las esculturas más famosas del mundo. Actualmente se encuentra expuesta en la Galería de la Academia de Florencia, aunque hasta 1910 estuvo ubicada en la Plaza de la Señoría de la capital Toscana; desde entonces en su lugar se erige una copia de la obra a tamaño real realizada también en mármol.
El trabajo de preparación de la escultura definitiva incluyó bocetos, dibujos y modelos a pequeña escala de cera o terracota. Miguel Ángel pasó directamente de estos estudios preliminares al trabajo sobre el mármol, sin hacer un modelo de yeso a escala real, como hacían otros artistas de la época como Giambologna. El David fue esculpido mediante cincel desde distintos puntos de vista, puesto que Miguel Ángel lo diseñó para que fuese admirado desde cualquier punto de su perímetro, de forma diametralmente opuesta a la manera medieval que diseñaba las esculturas para ser vistas exclusivamente desde el frente. El David contrasta con las representaciones previas de Donatello y Verrocchio en las que David aparece con el cuerpo de Goliat asesinado. En la versión de Miguel Ángel, Goliat no aparece, por lo que se interpreta que aún no ha sido vencido. El cuerpo de David es el de un hombre musculoso, no el del muchacho de las obras de Donatello y Verrocchio. En lugar de aparecer victorioso como en las dos versiones antes mencionadas, David aparece en tensión y preparado para el combate. Su cuerpo se encuentra girado con un ligero contrapposto: la pierna izquierda se adelanta a la derecha, el brazo izquierdo se eleva y se curva hasta que la mano casi toca el hombro, mientras que el brazo derecho se deja caer hasta que la mano toca el muslo, el torso se curva sutilmente, la cabeza mira hacia su izquierda, manteniendo los ojos fijos en su objetivo, con el ceño fruncido. El rostro evidencia esta tensión contenida, gran concentración y las aletas de la nariz bastante abiertas. El movimiento es contenido, centrípeto con líneas de fuerza que vuelven al bloque. La mirada ha sido interpretada en el sentido de que la escultura muestra el momento en el que David ha tomado la decisión de atacar pero aún no ha comenzado el combate. Otros expertos, como Giuseppe Andreani (director de la Academia de Bellas Artes de Florencia), opinan sin embargo que la escena muestra el momento inmediatamente posterior al final de la batalla, y que David contempla tranquilamente su victoria.
Leonardo da Vinci
Leonardo
Da Vinci fue un polímata italiano del siglo XV y XVI
(Nació el 15 de abril de 1452 y murió el 2 de mayo de 1519) conocido
principalmente por su destacado talento como pintor, ingeniero e inventor.
Sus obras pictóricas más conocidas son “La Gioconda” (También conocido como “La Mona Lisa“) y “La Última Cena”. Además de estas
dos obras de arte, escribió un sinfín de ideas revolucionarias (recogidas
en 20 volúmenes) que no pudieron ser desarrolladas hasta varios siglos después,
algunas por las limitaciones técnicas existentes en esa época y otras por pequeñas
incongruencias en sus bocetos que imposibilitaba el funcionamiento de sus
inventos.
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La
última cena 1495 – 1497
Pintura mural realizada entre los años 1495 y 1497 para el refectorio (comedor) del convento de Santa María della Grazie en Milán por encargo de su mecenas en la época milanesa, Ludovico el Moro. Su estado de conservación, después de numerosos problemas y restauraciones, es muy malo. La pintura representa la Última Cena que celebra Jesús en compañía de sus discípulos. Parte de una simetría marcada por Cristo como eje. Su figura, en forma piramidal ocupa una porción importante del espacio central, aislado del resto y recortada a contraluz contra la ventana que, con su frontón curvo, vuelve a remarcar su figura, casi como si fuera un nimbo. A sus lados, los apóstoles se ordenan en dos grupos de tres personajes que se relacionan entre sí a través de los gestos de las manos. Estos grupos generan una serie de tensiones internas y contrapesadas dentro del lienzo, y así, mientras a la izquierda de Cristo los apóstoles más cercanos retroceden, este movimiento se contrapone y anula con los de la derecha, que avanzan.
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La
Gioconda 1503 – 1507
77
x 53cm
Aceite
sobre madera
En ella se citan todas las características de la pintura de Leonardo: el empleo del sfumato, esa técnica que difumina suavemente los rasgos hasta hacer indefinibles los contornos; el hermoso paisaje del fondo, agreste, salvaje y de un matizado tono azul que lo hace desaparecer en un degradado invisible; la ambigüedad del rostro, la indefinición sexual que la hace parecer una mujer, un adolescente... un mito de androginia que tiene referencias inacabables con teorías filosóficas y religiosas; y, por encima de todo, la sonrisa más melancólica y misteriosa de la historia del hombre. El retrato es el de Madonna Lisa, la señora Lisa, la esposa de Francesco del Giocondo, de donde toma su sobrenombre. Leonardo retuvo consigo el retrato hasta su muerte, no dejó de trabajar en él y, por supuesto, jamás se lo entregó a su cliente. De sus manos pasó a la colección real de Francia y hoy puede verse en el Museo del Louvre, protegida por un panel blindado y envuelta en un remolino de turistas que la fotografían sin cesar.En cuanto a la técnica usada en esta pintura (al igual que en muchas otras) Leonardo usa el sfumatto, por la cual va difuminando suavemente los rasgos de la modelo para hacer indefinibles los contornos, al igual que lo aprecia el ojo humano. Del mismo modo Leonardo en el paisaje utiliza tonalidades azules para dar la percepción de lejania y disminuye en escala y difumina los objetos para tener en el cuadro el mismo aspecto de la lejania que tendría si fuera observado al natural. Esto es lo que se ha llamado la manera de pintar el aire por Leonardo. También se ha especulado mucho sobre la ambiguedad del rostro de la Gioconda, sobre su androgínia y sobre su enigmática sonrisa.
Rafael
El artista más representativo del Renacimiento pintor italiano. Decoró el Vaticano.Hijo del pintor Giovanni Santi, nació en Urbino y comenzó su aprendizaje en Perugia. Su primera obra fue Los desposarios de la virgen, de 1504. Se instaló en Florencia (1504-1508), donde pintó, entre otras obras, La sagrada familia del cordero, y sobre todo las primeras de sus célebres madonas: La virgen del jilguero, La virgen de la pradera y la virgen del gran duque. Allí asimiló las técnicas de Leonardo Da Vinci (el sfumato) y de Fra Bartolomeo, lo que se manifiesta en la bella jardinera (1507), El descenso del cuerpo de Cristo (1507), San Jorge, y otras obras. En 1508 fue llamado a Roma, donde se convirtió en el favorito de Julio II y, después, de León X. Por orden de Julio II decoró las tres salas del Vaticano, llamadas estancias, con frescos que representan escenas alegóricas. Al mismo tiempo, trabajaba en varios retablos para altares: Madona del Foligno (1512), La madona de San Sixto (1512-1515) y La transfiguración (1519); en algunas madonas y en retratos. En 1514 dirigió los trabajos de la basílica de San Pedro.
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Las
Gracias 1504 – 1505
Óleo
17 x 17cm
El Sueño del caballero y las Tres Gracias formarían un díptico encargado por un importante noble italiano a Rafael al poco de llegar el artista a Florencia. Siempre se ha considerado a Scipione di Tomaso Borghese como el cliente pero en la actualidad se especula con la posibilidad de Francesco Maria della Rovere, apuntándose también como el protagonista del retrato de Joven con manzana. Las tres figuras simbolizarían las Hespérides, ofreciendo la eternidad a sus afortunados elegidos como en el caso del comitente. Las Gracias están inspiradas en las esculturas clásicas por las que Sanzio manifestó una interesante admiración a su llegada a la capital de la Toscana, convirtiéndose posteriormente en Roma en conservador de las antigüedades romanas. En las figuras podemos apreciar la incorporación del movimiento a sus composiciones, alejándose del estatismo de la escuela de Umbría con Perugino a la cabeza. Las Gracias se insertan con sabiduría en el paisaje, iluminadas por un potente foco de luz que acentúa la belleza de sus cuerpos, cubierto el de la derecha con un transparente velo mientras que sus compañeras se exhiben al desnudo. Posiblemente Rafael siguiera como modelos camafeos o medallas antiguas, teniendo también como punto de referencia las escenas mitológicas que Botticelli había elaborado para los Medici. La suavidad y dulzura que caracteriza la pintura de Sanzio se empieza a poner de manifiesto, inspirándose en los trabajos Leonardo así como en Fra Bartolomeo.
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La
escuela de Atenas 1509-1510
Pintura, yeso
5,00x 7,7cm
La pintura de Rafael alcanza un grado sublime en esta obra, posiblemente la más famosa de su producción. Cuando el espectador contempla el fresco en la Estancia de la Signatura se introduce en el mundo clásico y aprecia el movimiento de los diversos personajes pintados por Sanzio, obteniendo un insuperable resultado. La Escuela de Atenas simboliza la Filosofía, situándose frente a la Disputa del Sacramento. El maestro ha introducido la escena en un templo de inspiración romana, posiblemente siguiendo los proyectos de Bramante para la basílica vaticana, enlazando con la idea del templo de la Filosofía evocado por Marsilio Ficino. Las figuras se sitúan en un graderío, formando diversos grupos presididos por los dos grandes filósofos clásicos: Platón, levantando el dedo y sosteniendo el "Timeo", y Aristóteles, tendiendo su brazo hacia adelante con la palma de la mano vuelta hacia el suelo con su "Ética" sujeta en el otro brazo, representando las dos doctrinas filosóficas más importantes del mundo griego: el idealismo y el realismo. Ambos personajes dialogan y avanzan ante un grupo de figuras que forman un pasillo. A la izquierda encontramos a Sócrates conversando con un grupo de jóvenes; en primer plano aparece Zenón con un libro que sostiene un niño mientras lee Epicureo; sobre la escalinata se sitúa Heráclito, tomando la efigie de Miguel Ángel por modelo posiblemente como homenaje a la decoración de la Sixtina; Diógenes echado sobre las escaleras; a la derecha Euclides junto a sus discípulos midiendo con un compás; Zoroastro y Ptolomeo con la esfera celeste y el globo terráqueo respectivamente. En estas figuras se ha querido ver la representación de las disciplinas que componían el "Trivium" y "Quadrivium". Los diferentes grupos de personajes se ubican de manera simétrica, dejando el espacio central vacío para contemplar mejor a los protagonistas, recortados ante un fondo celeste e iluminados por un potente foco de luz que resalta la monumentalidad de la construcción. En las paredes del templo contemplamos las estatuas de Apolo y Minerva así como las bóvedas de casetones y los espacios abiertos que dominan el edificio, creando un singular efecto de perspectiva. Vasari dijo refiriéndose a Rafael: "fue en la composición de las historias tan fácil y rápido que competía con la palabra escrita". Esta referencia es perfectamente aplicable a esta escena donde los gestos, las expresiones o los movimientos de las figuras están interpretados con sabiduría, creando un conjunto dotado de gracia y vitalidad. Los colores son muy variados, utilizando brillantes tonalidades con los que refuerza la personalidad de las figuras y la variedad y monumentalidad del conjunto. Con esta imagen, Sanzio demuestra la superación definitiva de los modelos florentinos iniciando su floreciente periodo romano.
(Donatello) Donato di Niccolò di Betto Bardi, escultor italiano. Nació en 1386 en Florencia, hijo de un cardador de lana. Cuando cumplió 17 años trabajó como ayudante de Lorenzo Ghiberti en la construcción y ornamentación de las puertas de bronce del baptisterio de San Juan de Florencia. Algún tiempo después, también colaboró con Filippo Brunelleschi. En su carrera artística se pueden establecer tres periodos. El primero se desarrolla hasta 1425, y en él se puede observar influencia de la escultura gótica, aunque también revela tendencias clásicas y realistas; destacan entre las esculturas de este periodo las estatuas de San Marcos (1411-1412, iglesia de Orsanmichele, Florencia), San Jorge (1415-1417, Bargello, Florencia), san Juan Evangelista (1413-1415, Opera del Duomo, Florencia) y Josué (1418, campanile de la catedral de Florencia). En el segundo periodo (1425-1443) predomina la utilización de modelos y principios escultóricos de la antigüedad clásica. Hacia 1443, trasladó su taller a Padua. Entre 1425 y 1435 trabajó con el escultor y arquitecto florentino Michelozzo en varios proyectos, entre los que se encuentra el monumento dedicado a Bartolomeo Aragazzi (catedral de Montepulciano). Entre 1430 y 1433 viajó en varias ocasiones a Roma, donde creó varias obras, de las que la más notable es el cáliz de la sacristía de la basílica de San Pedro, decorado con los relieves de La adoración de los ángeles y El entierro de Cristo. Sin embargo, fue en Florencia donde creó la obra más notable de este periodo, su David en bronce (c. 1430-1435, Bargello), primer desnudo exento de la escultura renacentista. Su tercer periodo se aleja de la influencia clásica y pone mayor énfasis en el realismo y en el dramatismo de la acción: Los milagros de san Antonio (San Antonio, Padua); El Gattamelata (en la plaza que está delante de la basílica de San Antonio) y Judith y Holofernes (Piazza della Signoria, Florencia). Donatello falleció en Florencia el 13 de diciembre de 1466.
158cm
Bronce
El David es una escultura de bronce de 158 cm de altura, obra del escultor italiano Donatello. La obra fue realizada en torno a 1440 (o a 1430 según algunos expertos) por encargo de Cosme de Médici, que quería situarla en los jardines de su palacio de Florencia. Actualmente se encuentra en el Bargello. Es una obra representativa del quattrocento italiano y tiene un aire inequívocamente clásico debido a su desnudez y a su composición claramente praxiteliana. Por eso, aunque se trata de un tema bíblico, en este adolescente frágil y audaz se reconoce inmediatamente a un héroe de la Antigüedad clásica.
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María Magdalena penitente 1453-1455
188cm
Madera policromada
El año 1453 fue cuando Donatello regresó a su ciudadnatal de Florencia y cuandorecibió el encargo, se cree que parael baptisterio de San Juan de Santa María del Fiore de una imagen demaría Magdalena penitente. Donatello se inspiró en la La leyenda dorada de Jacobo de Vorágine, donde narra el retiro de María Magdalena, para conseguir la redención de sus pecados. Realizada en madera policromada, en edad ya madura demacrada por el sufrimiento, vestida con una ajada prenda de piel y con una larga cabellera cubriéndole el cuerpo, se encuentra de pie, con las manos huesudas unidas en actitud de oración, la expresión de su rostro revela la fatiga y el dolor por el que ha pasado, con los ojos hundidos y una dentadura que se aprecia mellada a través de su boca entreabierta, tiene los pómulos muy pronunciados por la extrema delgadez que también se aprecia en los brazos y piernas, donde se marcan los músculos anatómicos perfectos. En cuanto a la composición de la obra, podemos decir que es bastante simétrica, a excepción de la cabeza ligeramente ladeada y la pierna derecha que parece avanzar, que ayuda a que no sea totalmente rígida. La superficie está bien pulida en brazos y piernas, mientras que el pelo y el vestido añaden contrastes de claro-oscuro. Gracias a la policromía de la madera subraya el realismo y la expresividad.
Sandro Botticelli
Alejandro di Mariano di Vanni Filipepi, apodado Sandro Botticelli nació, entre marzo 1444 et marzo 1445, en Florencia en la clase trabajadora rione en el arrabal de Ognissanti en Florencia, donde su padre era curtidor. Muere en mayo de 1510 en la casa de la Vía de la Porcelana donde habrá trabajado toda la vida, sin nunca haberse casado y tampoco haber tenido hijos.
Botticelli es un apodo (que viene de "botticello" que significa tonelete en italiano) sin que se sepa si recibió el apodo por su gordura o por gran bebedor; otras fuentes indican que era su hermano mayor Antonio el que tenía este mote. Al alcanzar los quince anos, Botticelli ingresa, como aprendiz, en el taller de Fra Filippo Lippi (1406-1469), monje y pintor de Florencia, autor de pinturas religiosas, donde recibe una formación en cuento a la síntesis entre el nuevo control de formas tridimensionales, la delicadeza expresiva en los rostros y los gestos, los detalles decorativos (herencia del estilo del Gótico tardío) y un estilo íntimo.En este taller trabaja con los pintores Antonio del Pollaiuolo y Andrea del Verrocchio y hace el aprendizaje de la orfebrería, del grabado y de la cinceladura, lo que influirá la línea de su dibujo. Botticelli trabaja mucho con los artesanos en particular con su hermano, orfebre, con él cual comparte el taller. A partir de 1481, Botticelli esta llamado a Roma por el papa Sixto IV para decorar la Capilla Sextina, con tres otros grandes pintores. Las rivalidades que existen entre el papa y los Médicis, sus mecenas, hacen que su talento no esta reconocido.
· Nacimiento de Venus 1484-1486
172 x 278 cm
Pintura al temple
El Nacimiento de Venus es una de las obras más famosas de Botticelli. Fue pintada para un miembro de la familia Médici, para decorar uno de sus palacios de ocio en el campo. El tema mitológico era habitual en estos emplazamientos campestres, surgiendo imágenes como la Primavera o Venus y Marte. Venus es la diosa del amor y su nacimiento se debe a los genitales del dios Urano, cortados por su hijo Cronos y arrojados al mar. El momento que presenta el artista es la llegada de la diosa, tras su nacimiento, a la isla de Citera, empujada por el viento como describe Homero, quien sirvió de fuente literaria para la obra de Botticelli. Venus aparece en el centro de la composición sobre una enorme concha; sus largos cabellos rubios cubren sus partes íntimas mientras que con su brazo derecho trata de taparse el pecho, repitiendo una postura típica en las estatuas romanas de las Venus Púdicas. La figura blanquecina se acompaña de Céfiro, el dios del viento, junto a Aura, la diosa de la brisa, enlazados ambos personajes en un estrecho abrazo. En la zona terrestre encontramos a una de las Horas, las diosas de las estaciones, en concreto de la primavera, ya que lleva su manto decorado con motivos florales. La Hora espera a la diosa para arroparla con un manto también floreado; las rosas caen junto a Venus ya que la tradición dice que surgieron con ella. Técnicamente, Botticelli ha conseguido una figura magnífica aunque el modelado es algo duro, reforzando los contornos con una línea oscura, como si se tratara de una estatua clásica. De esta manera, el artista toma como referencia la Antigüedad a la hora de realizar sus trabajos. Los ropajes se pegan a los cuerpos, destacando todos y cada uno de los pliegues y los detalles. El resultado es sensacional pero las pinturas de Botticelli parecen algo frías e incluso primitivas.
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Mapa
del Infierno 1480-1495
33
x 47,5cm
Pluma
y tinta en el pergamino
El Bosco
(El Bosco) Hieronymus Bosch, Jeroen Anthonizoon Van Aeker , pintor holandés. Probablemente nació el 2 de octubre de 1450, en Hertogenbosch o Bois-le-Duc, Paises Bajos. Hijo y nieto de artistas en la misma localidad donde permaneció toda su vida. Se casó con Aleyt van Marvenne y fue miembro de la Hermandad de Nuestra Señora y un devoto católico. Diseñó los vitrales de la catedral de Hertogenbosch, y en vida disfrutó del éxito tanto en su ciudad como fuera de ella. En sus pinturas mezcla motivos astrológicos, de folclore, brujería y alquimia, así como el tema del anticristo y episodios de las vidas de santos ejemplares. En sus obras de madurez desarrolló un lenguaje de simbolismo visual, que a veces era una traducción literal de las metáforas verbales de la Biblia. Sus obras muestran la preocupación por la inclinación del hombre hacia el pecado y la condena eterna a las almas perdidas. Aplica el óleo de manera libre, sin retocar demasiado. Sus fuentes principales fueron los manuscritos miniados holandeses, grabados extranjeros, bestiarios medievales y leyendas y textos de la época. La ausencia de datación y de firma de algunas de sus obras hace que se les atribuyan a sus seguidores. Su obra fue muy imitada durante el siglo XVI. Durante la década de 1550 tuvo lugar un despertar del interés por el Bosco en la ciudad de Amberes, encabezada por Pieter Huys y Pieter Brueghel, el Viejo, muy influido por el pintor.
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Adoración
de los Magos 1510
138 x 138cm
Óleo sobre tabla
En las dos alas externas del conjunto, la Misa de san Gregorio, probable "preparación" a la Epifanía- misa representada en el interior. La obra abierta comprende: a la izquierda San Pedro y el donante, en el centro la Adoración de los magos, y a la derecha la donadora con Santa Inés; algunos autores vislumbran en la escena única que se origina al juntar los tres paneles, una referencia al sacrificio de la misa, ya que los cofrades de Nuestra Señora de s-Hertogenbosch (para quienes quizá fuera realizada la obra) identificaban la Epifanía con el servicio prestado a ellos por el honor de la Virgen. No ha faltado, sin embargo quien destacara el puesto ambiguamente ocupado por los Magos, entre el Redentor recién nacido y el Anticristo que asoma por la cabaña. Las figuras monstruosas están ausentes, pero queda un eco inquietante en los pastores. La relegación de San José a la tarea de poner a secar los pañales responde a una actitud entonces muy difundida en la pintura religiosa de la Europa centro-septentrional. Como todas las obras de El Bosco presentes en el Prado, este tríptico formó parte originariamente de la colección personal de Felipe II. Sin embargo, resulta sorprendente dentro del estilo minucioso y fantástico de El Bosco, puesto que presenta un retablo de formato y tema perfectamente tradicionales. Se la considera obra tardía, y pese a su normalidad aparente, las intrusiones extrañas tan frecuentes en el maestro también se deslizan en esta apacible escena. Aparecen los donantes que encargaron la pintura, representados en los laterales. En la tabla central, la Adoración de los Reyes Magos empieza a mostrar personajes extraños, movimientos inexplicables. Destaca la presencia bufonesca de los pastores, grotescos, que han trepado al tejado del pesebre para contemplar la escena; tras ellos, dos ejércitos se aprestan a un violento encontronazo, desligado de la serenidad del tema principal. El propio rey negro viste extraños ropajes, adornados con símbolos, y un dragoncillo se enrosca sobre el vaso de su ofrenda. Para coronar la situación, un grupo de personajes siniestros asoma por uno de los ventanucos, tras la Virgen, liderados por un rey oriental semidesnudo, enjoyado, con una sonrisa que más parece una mueca. ¿Su identidad? Tal vez se trate de Herodes, tal vez sea el Anticristo que amenaza la llegada de Cristo, tal vez el hereje Balaak, herido en la pierna, como se observa en su tobillo: una llaga cubierta por un brazalete transparente... Demasiadas incógnitas, como casi siempre que nos enfrentamos a la obra de este pintor.
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Las
Tentaciones de san Antonio 1500 – 1525
70 x 51cm
Óleo sobre tabla
En esta tabla el santo no queda distraído de sus meditaciones por los demonios que lo rodean, con las tentaciones simbolizadas de muchas maneras: el cuchillo mellado, escalas, el jarro del diablo, piezas de armadura, pequeños demonios-grillos. A su lado, aparece uno de sus atributos: un cerdito. El santo está acurrucado, debajo de un árbol hueco al que le ha puesto un precario techo de paja. Delante, un arroyo del que surgen también figuras demoníacas. Se enmarca en un paisaje de tonos amarillentos y verdosos, con suaves azules hacia el horizonte. Es uno de los temas favoritos del Bosco: Antonio Abad aparece como el primer ermitaño que tuvo que resistir durísimos ataques del demonio, según describía la Vita S. Antonii de Atanasio y la Leyenda Áurea de Jacobo de la Vorágine. En cuanto a las fuentes iconográficas de las que se pudo servir el Bosco, Combe apunta, por un lado, a las formas de contemplación que hay en los escritos místicos de Ruysbroeck, como el Espejo de la eterna salud y, por otro, a las litografías del Exercitium super Pater noster, en las que se pueden ver escenas de meditación al aire libre.
Massacio
(Masaccio) Tommaso di Ser Giova Mone Cassai, pintor italiano. Nació el 21 de diciembre de 1401 en San Giovanni Valdarno. Hijo del notario Ser Giovanni Cassai y Jacopa di Martinozzo. En 1417 se traslada a Florencia donde el 7 de enero de 1422 pasó a formar parte del gremio de pintores florentinos, relacionándose sobre todo con Donatello, del que toma su conocimiento del arte clásico y Brunelleschi, adquiriendo el conocimiento de la proporción matemática, como se aprecia en su primera obra Tríptico de San Giovenale. En el año 1424 se inscribe en la "Compagnia di San Luca" donde comienza a relacionarse con Masolino y trabajan juntos en algunas obras como la Santa Ana, Virgen con Niño y ángeles y en la decoración de la capilla Brancacci, la ejecución de dichos frescos dura cuatro años por lo que los compagina con otros trabajos como el Políptico de Pisa y el fresco de la Trinidad. Fue considerado como uno de los padres del renacimiento italiano cuyas innovaciones en el empleo de la perspectiva científica abrieron el periodo de la pintura moderna. Su obra tuvo gran influencia en pintores como Miguel Ángel o Botticelli.
En 1428 se trasladó a Roma para realizar junto a Masolino un tríptico para la iglesia de Santa Maria Maggiore, aunque no llegaría a realizarlo ya que fallece en este mismo año con sospechas de que fue envenenado.
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San
Pedro cura a los enfermos con su sombra 1425 – 1428
230 x 162cm
La escena se halla en el compartimento inferior del lateral izquierdo de la capilla Brancacci, en la pared frontal. Presenta el momento -recogido en los Hechos de los Apóstoles- en el que san Pedro sana a los tullidos con su sombra. La escena se desarrolla en una calle florentina, ubicada según los especialistas en la zona de San Felice in Piazza debido a las balconadas típicas de los edificios medievales y la iglesia y el campanile que encontramos al fondo. Sin embargo, el paramento almohadillado del palacio del primer plano recuerda al Palazzo Pitti realizado por Brunelleschi. La perspectiva resulta la gran protagonista de la composición, interesado Masaccio en trasmitir la sensación de profundidad. Las figuras gozan de una monumentalidad escultórica y de una expresividad que serán admiradas por artistas futuros como Piero della Francesca. Se han identificado algunos personajes como el hombre del turbante rojo -Masolino-, el anciano de barba blanca -Donatello- o el san Juan, Giovanni, el hermano del pintor, apodado "Scheggia".
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La
expulsión de Adán y Eva del paraíso 1425 – 1428
208 x 88cm
Es uno de los frescos de la Capilla Brancacci. Prácticamente todos ellos se dedican a episodios de la vida de San Pedro, existiendo dos que reflejan el Génesis: a la derecha Adán y Eva en el Paraíso, pintados por Masolino y, a la izquierda, esta Expulsión del paraíso terrenal de Masaccio. Es así el primer fresco en la parte superior de la capilla, sobre el eributo. Tradicionalmente se ha considerado que se pretende representar el pecado original y el alejamiento del hombre respecto a Dios. El tema de todo el ciclo de frescos en su conjunto es la salvación de la Humanidad operada por Jesucristo a través de Pedro y, por extensión, de su iglesia. Los frescos dedicados al Pecado original y la Expulsión del Paraíso serían así una premisa o precedente a las historias de Pedro. Esta pintura es famosa por su vívida energía y realismo emocional sin precedentes. El patetismo de la escena se acentúa con el grito doloroso de Eva y el vientre contraído de Adán, que toma aire. La pareja se asienta firmemente sobre el terreno, sobre el que se proyectan las sombras de la violenta iluminación que modela los cuerpos, los gestos están cargados de expresionismo. Adán llorando se cubre los ojos con la mano, en signo de vergüenza mientras que Eva se cubre con los brazos y grita, en señal de dolor. La Expulsión contrasta dramáticamente con la imagen delicada y decorativa que hizo Masolino de Adán y Eva antes de la caída, pintada en el muro opuesto. Mientras que la obra de Masolino pertenece todavía al gótico, en la de Masaccio está ya presente el Renacimiento.
El Greco
Su verdadero nombre era Doménikos Theotokópulos, y fue llamado El Greco por su origen heleno. Comenzó a formarse como pintor en su isla natal. Su pintura se basaba en una iconografía tradicional y bastante arcaica en sus formas y composiciones. Estudió en Venecia, fue discípulo de Tiziano y del Tintoretto. Se le atribuyen numerosas obras, políptico de la Pinoteca de Módena, la expulsión de los mercaderes, la curación del ciego, La anunciación y la coronación. En 1577 se afincó en Toledo y dos años después recibió de Felipe II el encargo de pintar un Martirio de san Mauricio para el escorial. Se cerraron para el pintor las puertas de la corte. En Toledo se disputaron sus servicios. El estilo de Greco se caracterizaba por su afición al cromatismo intenso; a las figuras estilizadas. El Greco llegó a deformar para que transmitiesen una fuerte impresión de miticismo y religiosidad; y por último al dinamismo de la composición, siempre dividida en diferentes planos y relieves y sujeta a los efectos de una luz intensa, casi violeta, que suele radiar de un punto focal centrado. El Greco tenía la costumbre de trabajar sobre modelos de barro que él mismo solía fabricar. Sobresalían los de temática religiosa.
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La
Anunciación 1570
26,7 x 20cm
Óleo sobre tabla
En la composición de La Anunciación podemos distinguir dos partes:
La terrenal y la celestial.
- La parte celestial: Esta compuesta por unas nubes blancas donde en ellas están sentados un coro de ángeles. Sobre las manos de algunos hay instrumentos de música.
- La parte terrenal: está la Virgen Maria con un vestido rojo, a un lado tiene un libro y a en el otro lado, abajo, hay un jarrón. Además junto a Maria esta un ángel llamado Gabriel, va vestido con un traje de color verde.
